L'Elisir d'amore

di Gaetano Donizetti (1797-1848)

Prima esecuzione Milano, Teatro della Canobbiana,12 maggio 1832

di Dario Ascoli

Comporre un’opera buffa, in Italia nei decenni centrali del XIX secolo deve essere stato difficile, persino imbarazzante.

Dopo oltre 150 anni di teatro musicale napoletano, in gran parte di buona fattura, all’indomani del tardivo ‘sdoganamento’ dei capolavori mozartiani sulle scene del Bel Paese (le Alpi talvolta risultano invalicabili per la cultura ancor più che per gli elefanti di Annibale!) e con l’eco persistente dei “crescendo” rossiniani, il melodramma aveva la necessità, pena la scomparsa, di imboccare nuove direttrici, di aprirsi alla contaminazione romantica.

Il solo Verdi volle e seppe percorrere la via maestra del romanticismo eroico, epico (con la sola tarda eccezione del Falstaff).

Bellini si era mostrato più incline a mettere la propria maestria melodica a servizio di ambientazioni e trame crepuscolari, ossianiche.

Gaetano Donizetti comprese quale fosse il ritardo accumulato dall’ Italia in campo musicale (e non solo) e quanto più originale e redditizio potesse risultare porre in musica commedie “alla francese” che facessero coesistere momenti sentimentali e situazioni da opera buffa tardo settecentesca.

Il musicista lombardo era in strettissimo contatto con Napoli fin dal 1822 e ricoprì dal 1828 al 1838 la carica di Direttori dei Teatri del Regno, fino a quando Saverio Mercadante gli fu preferito alla direzione del Reale Conservatorio, episodio che gli provocò una cocente delusione e un disamore per l’ambiente musicale partenopeo.

In ogni caso, in quegli anni un musicista avido di conoscenza come Donizetti avrà avuto occasione di visionare centinaia di partiture di opere e intermezzi buffi di scuola napoletana.

Il genere giocoso sentimentale venne definito “Comèdie larmoyante”, e i primi esempi si devono a Piccinni, non a caso un “napoletano” trapiantato in Francia, ma si trattava di opere più vicine alla forma dell’ intermezzo, per l’ esiguità dell’impianto scenico, la durata ed il numero dei protagonisti.

“Le philtre” di Scribe, musicato da Auber nel 1831, precedette di qualche mese l’Elisir di Donizetti e Felice Romani, ma nonostante la fretta (non si sa se sia stata composta proprio in 2 settimane, ma di certo non trascorse un mese), e benché Romani avesse attinto a piene mani direttamente dal libretto francese, l’opera di Donizetti risultò a tutti, contemporanei transalpini inclusi, di gran lunga superiore all’antesignano parigino, per ispirazione melodica, aderenza tra musica e libretto e vivacità teatrale.

In osservanza al modello progettuale prefissatosi, il maestro bergamasco fece interagire personaggi caratteristici del teatro galante rococò, come la locandiera Adina, con maschere da Commedia dell’ Arte come il medico-farmacista millantatore, che rimanda a Le devin du village di J.J.Rousseau, e al Colas di Bastien und Bastienne di Mozart.

Il delizioso “melodramma giocoso in due atti” su libretto (poesia) di Felice Romani fu composto per un teatro minore, il Teatro della Canobbiana, e andò in scena il 12 maggio 1832; il rapporto del compositore con Milano e con La Scala, non era a quel tempo idilliaco e alcuni insuccessi pregressi scoraggiavano gli impresari dei grandi teatri italiani, la compagnia di canto, inoltre, a detta del musicista, non era quanto di meglio offrisse la piazza, ma si fece di necessità virtù.

La scena di apertura ci offre un coro di contadini festanti su un ritmo puntato molto danzante, l’ingresso di Nemorino è una cavatina in do maggiore in cui l’innamorato, sognante, osserva l’amata Adina intenta a  leggere, pensate un po’, ridendo, la storia di Tristano e Isotta, definendola, riduttivamente, “una cronaca d’amore”.

Poche battute sono sufficienti a tratteggiare l’immagine di superficialità e di pochezza culturale della civettuola contadina affittavola e a introdurre l’elemento magico della vicenda, quel filtro d’amore che legò Tristano e Isotta e che le contadine sognano di possedere per legare a loro il giovane amato o per accalappiare il partito migliore.

Nel corso dell’opera gli interventi di Nemorino sono sempre piuttosto estranei al clima dominante della scena; egli canta dolente, estatico, sognante, nel bel mezzo di una festa danzante; quale migliore strumento teatrale per mostrare, evidenziandolo, l’elemento di novità che si è voluto introdurre nella forma del melodramma giocoso?

Quanta nobiltà d’animo e quanto candore ( e quanto poca autostima!) nella confessione “io son sempre un idiota, io non so che sospirar”, un innamorato che si sminuisce al cospetto di colei che “legge, studia, impara” e a cui “ non v’è cosa (...) ignota”.

I due rivali che si contendono i favori della “colta” e civettuola Adina sono disegnati per suscitare l’ilarità per contrasto: tronfio, borioso, retorico e goffo il “macho” Belcore; impacciato, timido, attanagliato da sindrome di inadeguatezza il contadino Nemorino.

Donizetti cesella il personaggio vocale di Nemorino che rappresenta un’originalità nel contesto di un’opera buffa; lontano dal Paolino del “Matrimonio segreto” di Cimarosa, colto, astuto e che non deve conquistare la sua amata, bensì sottrarla ai disegni del genitore, così come il Lindoro del Barbiere rossiniano, nobile, astuto è saldamente nelle grazie della donzella desiderata.

La linea vocale di Nemorino, pur non particolarmente spinta verso l’alto, si sviluppa prevalentemente nel registro medio-acuto costringendo, quasi, il cantante ad adottare il registro di falsetto per non produrre un canto di forza, stentoreo, stilisticamente inadeguato nonché decisamente sfibrante!

Così la tessitura della linea di canto ci restituisce un Nemorino efebico, quasi femmineo e lo consegna al repertorio dei tenori lirico-leggeri o, come si dice, “di grazia”.

A dispetto della sua fragilità, Nemorino è il vincente, la devota sensibilità (accompagnata da qualche cospicua eredità) avrà la meglio sulla muscolarità di Belcore, che ci fa pensare più ad un palestrato bulletto di periferia che ad un gladiatore da anfiteatro.

La Trama

Atto primo . La vicenda è ambientata nei  Paesi Baschi, sul finire del del XVIII secolo: si inizia con una scena bucolica. Adina, una borghese capricciosa e frivola che fitta camere,  è intenta a leggere Tristano e Isotta. Nemorino, contadino sempliciotto ma sincero, ne è innamorato e intona per lei “Quanto è bella, quanto è cara”. Irrompe Belcore, un tronfio sergente che è impegnato a reclutare soldati per il suo reggimento e che corteggia Adina (“Come Paride vezzoso”). Il deus ex machina sarà Dulcamara, un ciarlatano che tra gli altri miracolosi medicamenti  si vanta di possedere un filtro d’amore, che in realtà è vino di Bordeaux, ma che non è difficile propinare allo sprovveduto  Nemorino. L’effetto del prodigioso elisir  si manifesterà dopo un giorno (per consentire al medico millantatore di allontanarsi); ma Belcore vuole anticipare le nozze al giorno stesso: Nemorino si dispera e implora Adina di rinviare la celebrazione al giorno seguente.