(in progress) A ragion veduta, quasi sempre, con un orgoglio campanilista tardivo immotivato, tal altra volta, accusiamo i nostri cugini transalpini di sottrazione di capolavori d'arte patria, di talenti italici di bellezze muliebri, siano esse ormai detronizzate o immortalate nel misterioso fascino dal genio leonardesco.
Il popolo italiano, notoriamente, è generoso e facile dimentico degli oltraggi che subisce; così nel 1886 sarà l'editore Sonzogno che fornirà la partitura al Teatro alla Scala di un'opera francese fino a quel 20 marzo, dimenticata, pur essendo stata partorita da quello che era, ed è, ritenuto il più grande compositore per il teatro nato in terra di Francia: stiamo parlando di Les Pecheurs de Perles di Georges Bizet, tradotta e cantata in italiano come I pescatori di perle.
Il libretto, originariamente pensato per un opéra-comique, fu approntato da Eugène Cormon e Michel Carré.
L'eco del successo scaligero della partitura giovanile di Bizet, eseguita a Parigi per la prima volta nel 1863 quando l'autore non aveva ancora 25 anni, rimbalzò nella capitale francese che ospitava l'esposizione universale del 1893, ben trent'anni dopo il debutto, quindi, quando, ritrovato l'idioma originale, l'opera riscosse quel successo negatole all'esordio.
Successo, viceversa, meritato e al debutto, per la produzione in scena al Teatro Municipale G.Verdi di Salerno, dal 16 al 20 maggio 2012, per la regia, levigatissima, di Riccardo Canessa, la direzione musicale densa e tornita di Daniel Oren e un cast di livello "ante crisi", con Desirée Rancatore, Celso Albelo, Luca Grassi e  Alastair Miles, e mi verrebbe di appore un punto esclamativo!
Suggestive, esotiche, ma ben lontane dallo scadere nel cartoonistico, le scene di Flavio Arbetti; pittorici come a mostrare un oriente che rimanda al classicismo mediterraneo per occhio dell'autore e reinvenzione dello spettatore, i bei costumi di Patrizia Balzerano; bene integrati i video di Jean-Baptiste Warluzel mentre più autonome, diremmo, sono apparse le coreografie di Pina Testa.
Il Coro del Teatro dell'Opera di Salerno è stato diretto da Luigi Petrozziello. Della recensione in dettaglio della recita del 16 maggio 2012, ci occuperemo di seguito.

E' utile inquadrare la temperie storica in cui venne alla luce Les pecheurs de perles; gioverà a facilitare la comprensione di alcune scelte stilistiche, di ambientazione e anche i motivi del temporaneo oblio e del successivo trionfo.
Lo sviluppo del capitalismo in occidente e la fase imperialista che esso visse negli ultimi venti anni del 1800 è fenomeno da cui non si può prescindere per comprendere l'evoluzione di forme e linguaggi musicali preesistenti e il nascere e l'affermarsi di nuovi, che si condivida o meno l'approccio materialistico all'analisi dei processi storico-culturali.
Lo sviluppo dell'industria pesante, principalmente metallurgica e di grandi manufatti, aveva condotto alla concentrazione in poche mani di grandi ricchezze, stante la necessità imprescindibile di affidare la produzione a opifici di grandissime dimensioni in cui operassero moltissimi prestatori d'opera.
Sul versante politico gli stati nazionali erano impegnati in guerre coloniali e in rivendicazioni di confini.
Questi due fenomeni avevano come espressione, diremmo come metafora nelle forme musicali, nelle colossali opere sinfoniche impieganti ciclopici organici, e nella nascita delle scuole nazionali, attingenti a linguaggi, stili e ritmi di vera o verosimile provenienza tradizionale.
Europa e Stati Uniti d'America si contendono il ruolo di potenza egemone; la prima, catapultandosi di lì a poco nel primo conflitto mondiale, lacerata da rivalità e inimicizie interne, soccomberà nello scenario planetario e ancora oggi, nel terzo millennio, le conseguenze dello schieramento sullo scacchiere di fine '800 continuano a percepirsi.
L' oriente asiatico diviene in parte oggetto di colonizzazione e in parte sede di nuove potenze imperialiste, quale si avviava a divenire il Giappone.
La necessità di impiegare grandi energie e macchinari sempre più complessi e automatizzati insinuò nel pensiero collettivo l'esaltazione del progresso scientifico, la mitizzazione della tecnica e del razionalismo, bene inteso, applicato o alla produzione o al controllo sociale, giammai all'analisi dei fenomeni di nuova schiavitù.
Le Esposizioni Universali sono le vetrine e le affermazioni di potenza del sistema imperialista e la parola d'ordine è “ottimismo” e supremazia della volontà dell'uomo il quale può disporre del pianeta a proprio piacimento, può sfidare la gravità nel volo, creare realtà artificiali con proiezioni di luce e persino, superando i prodigi di Mosè, separare l'Africa dall'Asia tagliando istmi di terra.
Sono proprio i tre decenni che intercorrono tra la prima esecuzione e la ripresa, prima italiana e poi francese, di Les pecheurs de perles, ad affermare lo scenario culturale in cui l'esotismo, il sentimento decadentista, il languore e un sottile colonialismo linguistico-musicale, tra l'altro in una terra possedimento di una nazione storicamente rivale sui mari come l'Inghilterra, trovassero amplificazione, esaltazione e sintonia di spirito con l'animo degli spettatori di fine '800.
Si è talora usato, rischiando di insinuare sospetti di inconsapevole ispirazione del lucchese, di stile pre-pucciniano: in effetti è difficile non percepire atmosfere musicali che trasportino l'immaginario sonoro verso Madama Butterfly, ma è quell'oriente immaginario dell'artista occidentale ad ispirare entrambi i compositori ed è inevitabile che stereotipi di pentatonie, di quinte vuote e di modalismi, vadano a costituire una tavolozza armonica comune.

L'elemento narrativo topico è costituito dal valore dell'amicizia virile, solida fino al sacrificio estremo, che però non è la morte nella versione originaria, e la lotta tra voto di castità e passione dei sensi nell'unico personaggio femminile, mentre una figura sacerdotale e giudice presiede all'osservanza della morale e provvede a sentenziare condanne.
Non sfuggì ai contemporanei, i quali glissarono in maggioranza, e non può passare inosservata una bisessualità nemmeno troppo celata per essere solo latente, dei due protagonisti.
"Quel feu nouveau me consume: ta main repouse ma main" sono parole che Zurga dedica a Nadir e, allorchè egli scopre che questi non ha consumato un amplesso con Léila, esulta non per la conservata illibatezza della ragazza, ma per l'amicizia non tradita del pescatore.
"Nella romanza di Zurga del terzo atto si può individuare una sorta di bisessualità" afferma il regista Riccardo Canessa, collegando l'indefinitezza di oggetto sessuale con la cifra asessuata che l'opera rivela, secondo un cliché preromantico.
Ci piace interpretare questo triangolo come espressione di un amore che nella Ceylon del XIX secolo  riporti un sentimento che fu proprio della Grecia Antica e che ritroviamo, senza sobbalzi perbenistici o moralistici, anche in eroi come lo stesso Achille.
Tra i momenti musicali più alti ed intensi, dopo l'aria di Nadir del primo atto, vi è il duetto tenore-baritono, con reiterati passaggi per seste.
I due amici ricordano una donna della quale entrambi s'innamorarono e alla quale rinunciarono e sembra che la loro amicizia si sia , da quella rinuncia, arricchita di significati e forse di reciproca tenerezza.
"Si, è lei! è la dea, la stiamo ammirando.. il suo velo si solleva.." cantano i due uomini, mentre il flauto presenta un tema di tenero abbandono, di ricordo che quando si connota di rimpianto, prontamente si colora di orgoglio virile della rinuncia in nome dell'amicizia e, in fondo, di un amore "altro", asessuato.
E' degno di nota che il motivo caratteristico che Bizet fa ascoltare negli episodi in cui i due amici si confrontano o si scontrano, è il cosiddetto tema della dea, esso è collegato alla donna che li unisce e li fa rivali ed esordisce affidato al flauto accompagnato dall'arpa.
Diversamente quando la stessa Léila è ancora femme inconnue riceve un'immagine musicale affidata al clarinetto e ad un pizzicato degli archi gravi, una sensualità che si ancora alla terra e che pulsa.
Quando Nadir,  in  Je crois entendre encore, ricorda, rievoca o crede di riconoscere, ed è nel giusto, la voce della donna che aveva amato, la melodia acquista un lirismo che quasi non ha pari nella letteratura operistica; Bizet è maestro nel disegnare linee cantabili e qui, anche se giovanissimo, sa usare con raffinatissima ricercatezza le dissimetrie ritmiche per sottolineare i respiri, ma vorremmo dire i sospiri del personaggio e anche nella consueta regolarità di frasi di 8+8 battute, le chiuse presentano delle mutazioni minime, ma rilevanti, affinchè permanga viva la tensione.
La romanza è in 6/8, ma le armonie spesso restano ferme per  due misure, muovendo dalla tonica alla sottodominante che non procede verso la dominante, nè torna al primo grado, per andare sul settimo grado naturale, che è a sua volta quarto della sottodominante, stabilendo un procedere armonico di intervalli plagali.
L'armonia giunge alla dominante che viene data con la sottotonica, invece che con la sensibile, solo dopo aver raggiunto l'apice melodico sul si3 in pp in una corona, la melodia presenta il sol# che risolve sulla tonica; l'intensificazione emotiva viene realizzata con l'armonizzazione che da qui in avanti diviene per singole battute.
La sezione intermedia interrompe la regolarità della bracarola in 6/8 attraverso lo spostamento di accenti realizzato con reiterate legature di valore.
La conclusione torna con armonie mutanti a 2 battute e con la melodia che si appoggia alla tonica e alla dominante su note lunghe, mentre il basso cadenza ostinatamente con armonie delle parti superiori con sottotoniche, sulle parole "souvenir charmant".
Passando alla recensione della recita del 16 maggio 2012 occorre riferire subito del bell'impatto visivo offerto dalle scene di Flavio Arbetti, che suggeriscono una Ceylon che per qualche aspetto si modella su un'immagine di isola felice, natura rassicurante, stimolante per la cifra esotica, ma allo stesso tempo riportante squarci di natura mediterranea.
L'introduzione orchestrale è condotta da Oren producendo un addensamento timbrico tra le sezioni, livellandole e muovendo per enfasi dinamiche parallele tra esse.
Il Coro iniziale, su cui si muovono le coreografie di Pina Testa, ci proietta in media res, dipingendo la comunità isolana e portandoci in brevissimo all'apoteosi di Zurga.
Luigi Petrozziello ha voluto ottenere emissioni delicate dal Coro del Teatro dell'Opera di Salerno, a nostro avviso sbilanciato verso il femminile, quasi come a voler indicare che la popolazione maschile di Ceylon sia per la maggior parte impegnata in mare a pescare perle piuttosto che sulla terra ferma a intonare canti; aggiungiamo che i tenori, in particolare, tentando di alleggerire i suoni hanno finito col perdere l'appoggio diaframmatico, emettendo suoni privi di corpo e talvolta calanti di intonazione.
Accade spesso a molti cori lirici non avvezzi a dinamiche e volumi cameristico-sinfonici. Nella fattispecie, dato l'esiguo numero di elementi delle sezioni maschili, un volume maggiorre non avrebbe turbato gli equilibri e avrebbe evitato imbarazzi fonici ai coristi salernitani, solitamente perfettamente in grado di sostenere gli impegni a cui sono sottoposti.
I tre protagonisti Desirée Rancatore in Lèila, Celso Albelo in Zurga e Luca Grassi in Zurga, sono stati pressochè perfetti, vocalmente e scenicamente.
Rancatore è un soprano dai mezzi tecnici straordinari, estensione iperbolica, agilità realizzate con irridente facilità e, recentemente, anche rotondità del registro medio.
L'attacco dei suoni della cantante siciliana è sempre netto e privo di portamenti e di glissati e l'intonazione risulta controllatissima, anche grazie alla gestione dei fiati; il colore prevalentemente chiaro è andato con gli anni arricchendosi di sfumature, senza generare appesantimenti nel timbro inconfondibile di Desirée, che, piaccia o meno, denota personalità e coerenza, senza mai indulgere in "clonazioni". Esemplare.